HISTORIAS
Pol Montserrat – Disfrutando del proceso creativo.

Desde pequeño, el dibujo ha sido un impulso latente en este ilustrador que nos ha recibido en su casa y estudio. Tras estudiar Diseño Gráfico y desde hace cuatro años establecido por su cuenta, trabaja para marcas de diseño de gran renombre, como Nanimarquina, Mobles 114 y el Gran Teatre del Liceu, entre otras. Su estilo, con una marcada huella abstracta, es fruto de una búsqueda profunda y de un proceso evolutivo que considera lo más gratificante de su profesión.

 

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¿Quién te regaló tus primeros instrumentos de dibujo?
Fueron mis padres. Cuando tenía 12 años me regalaron una caja de acuarelas que todavía hoy sigo usando. Le cambio las pastillas de color y, ¡como nueva!

En vez de Bellas Artes decidiste estudiar Diseño Gráfico, cuando siempre te ha encantado dibujar. ¿A qué fue debida esta decisión?
Siempre había estudiado pintura cuando era pequeño, pero nunca pensé en ello como una salida profesional. De hecho, me planteé estudiar Arquitectura en algunos momentos, así como también Bellas Artes, pero pensé que el Diseño Gráfico supondría un futuro con más posibilidades. He de confesar que tampoco, a esa edad, tenía muy claro qué era realmente el Diseño Gráfico… Luego me dediqué unos años a la arquitectura de la información y la usabilidad web, pero el dibujo siempre seguía ahí, como una pulsación constante.

Por eso, paralelamente, seguías aceptando encargos de dibujo.
Así es. Tenía encargos de profesores y antiguos compañeros de cuando estudiaba Diseño Gráfico que sabían que me fascinaba el dibujo y me daban algunos trabajos. Era algo puntual, pero me permitió crear un buen portafolio cuando decidí, hace unos cuatro años, establecerme por mi cuenta.

 

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En estos tiempos actuales, tomar una decisión así es puro vértigo…
Totalmente. No es que empezase a tener más encargos, fue porque decidí apostar por lo que realmente me ha apasionado siempre. Un salto al vacío, pero empecé a trabajar en casa y tuve la suerte que, al crear mi página web con mis trabajos hasta entonces, particulares y empresas decidieron confiar en mí.

En muy poco tiempo has trabajado para clientes muy importantes, como Nanimarquina, el Liceu, La Fundació Barça, Banc Sabadell, Mobles 114 o Martset, y con estudios como Querida, Mucho y Marnich, además de ilustrar proyectos en Reino Unido, Canadá y los Estados Unidos.
Sí, he tenido mucha suerte, la verdad. He ido recibiendo encargos gracias a contactos y el boca-oreja.

¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con Nanimarquina, por ejemplo?
En un Utopia Market conocí a Carlota, la hermana de Nani, que es quien se encarga de toda la parte gráfica y de identidad de marca de Nanimarquina. De ahí empecé a trabajar con ella en el catálogo de la firma y he repetido este año. Es un proceso muy enriquecedor, ya que Carlota entiende las sutilezas del dibujo y busca siempre la excelencia, probando cosas como qué tipo de papel es el más idóneo según un determinado dibujo, y mucho más. Trabajamos mano a mano para hacer siempre algo distinto. En el fondo es todo una conjugación de distintos factores y el hecho de salir de tu zona de confort e ir viendo como el proceso te lleva más allá es lo más gratificante de este trabajo.

 

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También haces animaciones, ¿verdad?
Sí, por ejemplo para el Gran Teatre del Liceu he hecho animaciones que introducen al espectador en la ópera que va a ver.

Además del interiorismo, has trabajado en moda y para el sector industrial. Algo posible por la versatilidad que permite el dibujo.
Es lo que más me gusta de dedicarme a la ilustración. Es curioso, porque varios clientes del mundo del interiorismo y del diseño a nivel industrial fueron quienes me contactaron y, al ver que mi trabajo funcionaba en esos campos en particular, me he ido apasionando por estas disciplinas artísticas. Supongo que, como tengo un estilo con pinceladas abstractas, les encaja bien debido a que se entrelaza y yuxtapone fácilmente con su lenguaje mucho más racional y preciso, con líneas puras y fotografía minimalista, en el caso de un catálogo, por ejemplo. En el fondo todos hablamos un lenguaje muy visual y es fácil entendernos.

 

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Tus trabajos con gouache generan emociones oníricas. ¿Qué tiene esta técnica que empleas a menudo?
Supongo que es porque mi trazo es, en cierta forma, abstracto. Me gusta que quien lo ve sea quien lo interprete y lo lleve a su terreno personal. Por eso a menudo busco elementos icónicos, que todos conocemos, pero dándoles unas formas más imprecisas. Las técnicas más líquidas, como el gouache, la acuarela o la tinta china son ideales para trabajar en esta línea. Son muy inmediatas y permiten que la ilustración tenga un impacto más primario.

Entonces, ¿te lanzas directamente a dibujar?
Sí, hago muchos dibujos de una misma idea o elemento y esa multiplicidad me permite vislumbrar qué elementos aportan más, qué resulta innecesario y cuál es el resultado al que quiero llegar. Es precisamente este proceso creativo lo que más me hace disfrutar de cada encargo.

 

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A diferencia de otros ilustradores como Lara Costafreda, Paula Bonet, Riki Blanco o Ignasi Monreal, tus ilustraciones tienen siempre esa aura de abstracción que mencionas.
Me gusta vivir el dibujo como algo muy personal. Me fascina el trabajo con destellos de expresionismo abstracto de Joan Hernandez Pijuan. También me encanta la estética de Aurore de la Morinerie y de Christoph Niemann. Todos ellos son devotos del proceso creativo. En el caso de Aurore, me gusta mucho el hecho de que si dibuja una falda, se percibe que en ese trazo difuminado ha usado un pincel en concreto. Es fruto de este desarrollo artístico intuitivo, que huye del dibujo más orgánico y realista, que me cautiva.

¿Nunca tienes esa sensación de miedo ante un lienzo en blanco?
En principio no, porque hago muchos dibujos hasta llegar al que considero que encaja. Otra cosa es cuando dibujo en directo en un evento y no tengo la posibilidad de borrar y cambiar. Me siento más cómodo viendo, a través de la progresión experimental de los dibujos, qué funciona mejor, qué color es más eficaz para transmitir un concepto…

 

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¿Color o blanco y negro?
Es una elección que la mayor parte de las veces viene marcada por el cliente. El blanco y negro me ilusiona, porque ya hacía ilustraciones de este estilo y hay marcas que me lo piden expresamente. Creo que es algo que me diferencia de otros ilustradores. De todas formas, me gusta mucho trabajar con colores y de hecho recientemente lo estoy haciendo en muchos proyectos.

La ilustración está viviendo un momento de esplendor tras años siendo relegada a la literatura y la moda infantil. ¿Cómo estás viviendo este panorama actual?
Nunca me paré a pensar en ello. Ha sido increíble que empezase como autónomo justo en el momento que esto ocurría. En todo ello ha contribuido el auge de plataformas digitales que ha permitido que sea muchísimo más fácil que las marcas vean mi trabajo, aquí y en el extranjero. Pienso que todo este panorama se debe en gran parte a que ahora tenemos muchos más canales para difundir nuestro trabajo como ilustradores, lo que contribuye a que nos salgan muchos más proyectos.

 

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Hoy en día incluso artistas como David Hockney elaboran cuadros con iPad… ¿Cómo ves el futuro del dibujo?
El proceso creativo artesanal es difícil que lo pueda hacer una máquina. Tal vez ocurra en el futuro, pero un artesano deberá dictarle los procesos. La tecnología es un factor más. Aporta mucho a nivel de poder yuxtaponer, escanear, retocar… pero en la creación de una imagen es necesaria una persona que vaya llevando las riendas del proceso creativo. Para mí, el proceso creativo es siempre una búsqueda basada en el instinto y el ensayo-error, ya sea usando métodos digitales o tradicionales.

 

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Queremos agradecer a Pol Montserrat el tiempo que nos ha dedicado para poder realizar esta entrevista, si queréis saber más sobre su obra visita polmontserrat.com

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